Wie verhielten sich deutsche bildende Künstler zur breiteren Gesellschaft um sie herum, zwischen der Erfindung des Künstlers als Genie und Visionär in der romantischen Ära des 19. Jahrhunderts und dem Kampf um die Überwindung von Verelendung und sozialer Marginalisierung durch kollektive Professionalisierung während eines Großteils des zwanzigsten Jahrhunderts? Die kollektiven, wenn auch nicht immer übereinstimmenden Bestrebungen und Erwartungen an Künstler in dieser langen Zeit spiegeln sich am besten in den Schulen und Akademien wider, die ihre Künstler dominierten? Ausbildung in ihren Berufsverbänden und deren Strategien des Marketings und des wirtschaftlichen Wohlergehens. Wie Angehörige anderer deutscher gelehrter Berufe kämpften auch die bildenden Künstler um ihre Autonomie von der Staatskirche und anderen mächtigen sozialen und wirtschaftlichen Kräften bei gleichzeitiger Anhebung und Aufrechterhaltung der sich wandelnden professionellen Standards. Wie andere Berufe waren auch sie gezwungen, Kompromisse mit Macht und Geld einzugehen und dabei viele Schlachten zu verlieren. Die Subjektivität der Werte, die die Kunst umgeben, der faktische wirtschaftliche Status von Künstlern als Kleinunternehmer, die nicht in der Lage oder nicht willens waren, sich vollständig der Unternehmens-, Bürokrat- oder Gewerkschaftsorganisation zu unterwerfen, und die praktische Unfähigkeit, ihre Zahl zu begrenzen, trugen dazu bei, dass eine erfolgreiche Professionalisierung untergraben wurde. Indem es die Werkzeuge der Sozialgeschichte zum Tragen bringt, wirft dieses Buch ein seltenes Licht auf die wenig bekannte Geschichte der vielen deutschen Alltagskünstler und nicht auf die bekannteren Werke einiger weniger.